„Nichts gelten und doch frech sein“

Autorentheatertage 2015 – Oliver Kluck nach dem Buch von Andreas Altmann: Das Scheißleben meines Vaters, das Scheißleben meiner Mutter und meine eigene Scheißjugend, Schauspielhaus Graz (Regie: Christina Rast)

Von Sascha Krieger

Atemlos rattert er sie herunter, die Stationen eines Lebens, bald fünfzig Jahre, reduziert auf ein paar Minuten, kommagetrennte Aufzählungspunkte in Substantiven und Adjektiven. Untermalt werden Franz Solars von zwei Mitspielern zuweilen assistierte Worte von Florian Köhlers Gitarre und unterbrochen von dessen wiederholten Einwürfen, die aus einem einzigen Wort bestehen: „Versager“. Mahr als vier Jahrzehnte Leben zusammengeschnurrt auf eine Emanzipationsgeschichte, die ein Weglaufen ist, ein rastloses Suchen, auch eine veritable Therapiekarriere. Andreas Altmanns Leben ist das, ein gescheiterter Schauspieler, Gelegenheitsjobber, Kleinkrimineller, der seine Bestimmung fand, indem er der unentrinnbaren Enge seiner Herkunft im bayerischen Wallfahrtsort Altötting, die heimatlose Existenz eines Reisejournalisten und -schriftstellers entgegensetzte. Und doch ist der Weltbürger Altmann nicht denk- und verstehbar ohne die strenge Mustertapete des heimischen Wohnzimmers, den totalitären Mief eines Katholizismus, der nicht nur enges Wertekorsett, sondern auch materielle Lebensgrundlage im Haus seines Vaters, des Altöttinger „Rosenkranzkönigs“ war. In Christina Raste Uraufführungsinszenierung von Oliver Klucks Bühnenversion steckt Bühnenbildnerin Fatima Sonntag Andreas denn auch in das Grau eines Fünfzigerjahre-Wohnzimmers, in dem die Schrankwand sich als Arkadentriptychon mit Rundbögen und allerlei Devotionalien entpuppt, das die Enge dieser von einem schweren Esstisch quasi erdrückten Miniaturwelt, in der ein beiger Pullover über Hemd und Krawatte das Lebendigste ist, was gerade so erlaubt ist, perfekt symbolisiert.

Foto: Lupi Spuma

Oliver Kluck hat aus Altmanns Autobiographie ein Stück gemacht, das über das Persönliche, Individuelle hinausweisen will. Um exemplarisches Erwachsenwerden in einer sich demokratisch gerierenden Gesellschaft soll es gehen, die die Fesseln der Vergangenheit noch längst nicht abgeworfen hat. Karg, mechanisch, eintönig ratter das Leben herunter, erst als der Text zurückgeht und eintaucht in die Kindheitstraumata, wird die Sprache etwas freier, erlaubt sie sich ganze Sätze und mit zunehmender Dauer, ganz zögerlich und meist nur angedeutet, lugt sie ein wenig hinüber ins Reich dramatischen Dialogs. Und doch bleibt die Ich-Perspektive dominant. Figurensprache wird durch die Namensnennung eingeleitet und es ist stets der Erzählende, durch den die anderen reden, ein Erzählender, der zugleich Exempel und Individuum ist. Und der uns führt durch eine Jugend, die geprägt ist von angst und Terror, einem Vater, den die SS-Vergangenheit nicht loslässt und der seine Sühne, wie es einmal heißt, verwechselt mit den „Russenschweinen oder Polenschweinen“, die er quälte, als er noch die Macht dazu hatte. Jetzt ist er ein geachteter Bürger, ein wichtige Mitglied der katholischen Gemeinschaft in einer Welt, die jederzeit dem Ersticken nahe scheint. Ein Mann, der seinen Kindern „Arbeitsdienst“ erteilt und dessen wichtigstes Kommunikationsinstrument der Gürtel ist. In Christina Rasts Inszenierung wird eben dieses Accessoire zum Schlüsselsymbol. Er knallt auf den Tisch oder wird als Perkussionsinstrument eingesetzt, am wirkungsvollsten während der „Vaterdämmerung“, ein wütender Rocksong mit Anleihen an ein bekanntes christliches Weihnachtslied („Maria durch ein‘ Dornwald ging“), in dem sich der Freiheitsdrang endlich Bahn bricht, das leben pulst, die fesseln gesprengt sind. Die Stunde Null ist da, viele Irrwege stehen bevor und doch geht die Verantwortung für das eigene Leben Stück für Stück auf das bisherige Opfer über.

Davor schauen wir einem zu, wie er versucht erwachsen zu werden. nein, bei Klick und Rast sind es deren vier durchaus charakterlich auseinanderzuhaltende Versionen eines Andreas, der eben für seine Generation steht, ein Kind nicht aufgearbeiteter Vergangenheit. Er geht auf Konfrontationskurs, bestiehlt den Vater, kultiviert seinen Hass und muss ganz nebenbei die ganz normalen Bürden eines Heranwachsenden bewältigen: Schule, Pubertät, erwachende Sexualität. Mit viel Tempo und spielerischer Verve eilen Stück und Inszenierung durch das grauen wie die jugendliche Neugier. Immer wieder verändern sich Konstellationen, bilden sich Gruppen oder sitzt man sich umversöhnt gegenüber. Die abwesende Mutter wird als illusionärer Gegenentwurf im weißen Brautkleid mehr imaginiert und aufgeladen, als sie eine wirkliche Figur bildet. Sie ist Hoffnungsprinzip statt Fleisch und Blut. Der Tonfall wechselt zwischen lustvollem Spiel und hartem, unerbittlichem Ernst, zwischen kalter, herzloser Qual und rebellisch heimlicher Gruppenmasturbation. Die Enge des katholischen Umfelds steht dabei nie im Mittelpunkt, sie ist lediglich Teil eines totalitären Ganzen, mehr Mittel zum Zweck als Quelle des Übels.

Und dann ist da die Sprache: Je mehr sich Andreas ihrer Macht als emanzipatorischer Ausweg bewusst wird – ein Aspekt, den die Inszenierung eher subtil einführt, desto freier und eloquenter wird auch jene des Stücks, desto mehr findet der vierfache Andreas seine Stimme. Da hätte es der Coda, einem reichlich albernen Talk-Show-Nachspielen mit dem nun erfolgreichen Autor, in dem er die Rolle des Vaters nochmal analysiert und voyeuristische Fragen nach seinem Liebesleben gestellt werden, nicht bedurft. Es ist ein kleiner Schönheitsfehler an einem Abend, der mit großer Intensität zeigt, wie sie das kleine, persönliche Leben, im großen, alles beherrschen wollende, zu behaupten sucht, wie eine Gesellschaft, die einfach so weiter macht, eine ganze Generation opfert, nicht auf dem Schlachtfeld, sondern in der heimischen Stube, wie die eigenen Traumata an die Nachkommen weitergegeben werden und wie schwer es ist, den Kreis zu zerbrechen. Doch er zeigt auch, dass es möglich ist, in diesem Fall durch die Macht der Sprache, der eigenen, die dem Unterdrückten erlaubt, Individuum zu werden. „Nichts gelten und doch frech sein – das zeugt von Überlebenswillen“, heißt es einmal. Kein allzu schlechtes Motto für ein Leben. Und darin ist der Abend eben doch universell und exemplarisch. Wenigen, so wissen wir, gelang oder gelingt dieser radikale Schnitt und auch für sie hat er einen hohen Preis. Wäre es da nicht besser, diesen schnitt gar nicht vollziehen zu müssen? Ein bisschen utopisch ist Oliver Klucks Stück nämlich auch.