Berlinale Summer Special 2021: Reviews Part 3

By Sascha Krieger

The Scary of Sixty-First (Encounters / United States / Director: Dasha Nekrasova)

Actor Dasha Nekrasova’s directorial debut is a wild ride. The story of two friends moving into an apartment on New York City’s Upper East Side and discovering the place’s dark history is a feast for fans of the horror genre. Mixing influences from, among others, occult horror, psychological thriller and the Italian „Giallo“ subgenre of the early 1970s, The Scary of Sixty-First is full of the various influences‘ esthetics, the restless camera, the distorted images, the unsettling soundtracks, the grainy fuzziness, a descent from clean day to the blood-red night, a rich palette of instruments straight from horror’s toolbox. The story dives right into politics, feminism, crimes against women and children. We learn that notorious Jeffrey Epstein was the apartment’s previous owner. As a young woman investigating Epstein’s death joins, mysterious things happen, signs are discovered, nightmares reign, conflicts arise, demonic possession and murder follow. The film is entirely over the top as the genre demands but it is efficient in marrying its conventions with the suppressive circle of power that is patriarchy. Constantly, notions just established are deconstructed, expectations thwarted, the film plays with conspiracy theories until they almost make sense leading to an ending as bitter as cynical, as sarcastically ironic as disturbing, as satisfying for genre fans ands it is unsettling for everyone else.

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The Scary of Sixty-First (Image: © Stag Pictures)

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Berlinale Summer Special 2021: Reviews Part 2

By Sascha Krieger

Okul Tıraşı (Panorama / Turkey, Romania / Director: Ferit Karahan)

A boarding school deep in the Kurdish region of Turkey. The atmosphere is rough, the tone harsh, the authoritarianism relentless. When a boy gets sick his friend has a hard time getting help. Later the events leading to this point are unraveled, exposing a web of carelessness, a totalitarian education system, suppression, corruption and selfishness in which, in the end, the weakest will be the ones to blame. The camera is almost always on young Yusuf, his face, his bent body, the regid fear in all his demeanor. The images are as cold as the atmosphere, the winter puts an icy layer on the screen. The world we see is stifling, harsh, brutal in its inhumaneness.  What starts as a social drama narrows into a micro detective story where everyone’s guilty, even the victims. The mechanisms of a system intent of suduing everyone are seen at work in the almost absurd failure to deal with an emergency but also in smal background scenes, glimpses of despair, miniatures of hopelessness. The brief moment of cheeky playfulness recede as everyone and everything, including family, is seen to be part of the system. As the focus narrows on the school’s cold sickroom, the world vbecomes smaller and amaller. A prison with no access to the outside world, a self-suppicient system of breaking souls. That end with devastating look, resign, accusing, defeated.

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Okul Tıraşı (Image: © Türksoy Gölebeyi / Asteros Film)

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Berlinale Summer Special 2021: Reviews Part 1

By Sascha Krieger

Herr Bachmann und seine Klasse (Competition / Germany / Director: Maria Speth)

Dieter Bachmann is a retiring teacher somewhere in the west of Germany. His class consists of a diverse mix of students with a broad variety of heritage, refugees, migrants, children and grandchildren of migrants. Everyone has a story to tell and Bachmann wants to hear them all. He gently coaxes and draws them out, encourages the pre- and early teens to reflect on their place in the world, prejudice, expectations, learned roles. He encourages community, helping each other, learning from each other. That doesn’t always work but his empowerment project, not entirely devoid of not completely modern teaching methods, has effect. In more than three and a half not at all long hours, director Maria Speth observes this collectiv learning process that always includes the teacher. Bachmann is the catalyst, the engine but he isn’t the main act. That can be found in his class, the young eople grasping for themselves, battling with each other, opening up to the reality of diversity. Surprising changes, perspectives and views come up, we witness learning, understanding, realising and accepting – not just with teacher and student but also within ourselves. And we see a miniature of society, an often denied one, multi-cultural, diverse, struggling and thriving, under pressure and willing to grow. A society with many problems the film acknowledges and never naively brushes away. An alternative, a way it could be, also a way education should and so often doen’t happen. This film is a lesson in the best sense, a lesson in, yes, of all things, life and living. Together, as it should be.

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Herr Bachmann und seine Klasse (Image: © Madonnen Film)

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„Ein Porno, in dem der Klempner wirklich nur die Spüle macht“

René Pollesch: Goodyear, Deutsches Theater, Berlin (Regie: René Pollesch)

Von Sascha Krieger

Natürlich ist nichts „normal“ an diesem Premierenabend, dem ersten in diesem Jahr, möglich gemacht durch das Pilotprojekt Testing des Berliner Senats. FFP2-Masken, gelichtete Zuschauer*innenreigen und ein ausgeklügerlter Einlass mit Ausweisvorlage und Schnelltestnachweis bürgen dafür, dass der Ausnahmezustand,d er gerade auch die Kultur seit Monaten lahmgelegt hat, noch nicht Geschichte ist. Und doch ist manches wie früher, wenn fünf Spielerinnen eine gute Stunde Lang René-Pollesch-Texte hin und her stoßen, als wären sie Billard Kugel. Weit ist der Himmel von Barbara Steiners Bühnenbild, unten glitzert der Asphalt. Eine Rennstrecke imagniert der Abend und steckt die Spiele*innen mal Rennfahreranzüge, mal in Witwenkleider. Leben und Tod sind allgegenwärtig und zugleich spielerische Abstrakta, Bälle, mit denen sich jonglieren lässt. Natürlich ist er reich an Zitaten, so manche Filmszee wird geplündert, die Formal-1-Geschichte dazu und ums Theater geht es eh immer.

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Bild: Arno Declair

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„An Independent Creature“

Theatertreffen 2021 – SCORES THAT SHAPED OUR FRIENDSHIP. Ein Projekt von und mit Lucy Wilke und Paweł Duduś mit Musik von Kim Twiddle, schwere reiter, München – Aufzeichnung (Regie: Lucy Wilke und Paweł Duduś)

Von Sascha Krieger

Der Körper ist das Privateste, das wir haben – aber er ist und war stets auch politisch. Gesellschaftliche Normierungen wie Repressionen hatten immer auch und gerade den menschlichen Körper zum Ziel. Er ist Objekt von Unterdrückung, Mittel gesellschaftlichwer Gestaltung und Subjekt von Emanzipation. Befreiungsbewegungen haben fast immer auch mit seiner Sichtbarmachung zu tun. Voller Zuschreibungen ist der menschliche Körper, die stets auch gesellschaftliche Machtinstrumente sind. Darum und ihn aus diesen zu befreien, geht es in dieser kurzen intensiven Arbeit von Lucy Wilke und Paweł Duduś. Sie ist mit spinaler Muskelatrophie geboren, ihr Körper von der Gellschaft meist als „behindert“ gelesen. Er ist Tänzer, Körperarbeiter, queer und sich als solches auch markierend. Zwei, die aus der Norm fallen oder sich dieser verweigern.

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Bild: Martina Marini-Misterioso

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Die Macht des Namens

Theatertreffen 2021 – Marie Schleef: NAME HER. Eine Suche nach den Frauen+, Ballhaus Ost, Berlin / Münchner Kammerspiele / Kosmos Theater, Wien – Aufzeichnung (Regie: Marie Schleef)

Von Sascha Krieger

Ein Schlüsselmoment dieses Abends findet sich bereits im ersten Viertel: Da befasst sich Anne Tismer gerade mit der Barock-Komponistin Francesca Caccini. Soeben hat sie die Besonderheiten ihrer Musik skizziert, da lädt sie zur Hörprobe: „Das wollen wir uns mal eben anhören.“ Andächtig lauscht sie – der Stille. Denn die Werke Caccinis sind verschollen, die Italienerin eine Leerstelle der Musikgeschichte. Damit ist sie exemplarisch für das, worum es in diesen knapp sechs Stunden geht: die Frau als Leerstelle der Geschichte, der Geschichtsschreibung, Begriffe, die ironischerweise grammatisch weiblich sind – in der Praxis dagegen männlich. Männer schreiben und forschen über Männer, der männliche Blick bestimmt die kollektive Weltsicht, der Frau kommt dabei kaum mehr als eine Nebenrolle zu. Diesen weiblichen Blick einzubringen hat sich die Theatermacherin Marie Schleef auf die Fahnen geschrieben – und das tut sie nirgends so konsequent wie an diesem Abend.

Bild: Hendrik Lietmann

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Im Puzzle fehlen Teile

Theatertreffen 2021 – Rainald Goetz: Reich des Todes, Deutsches Schauspielhaus, Hamburg – Livestream (Regie: Karin Beier)

Von Sascha Krieger

Ein Abend wie Karin Beiers Uraufführung von Rainald Goetz‘ erstem Theaterstück seit mehr als 20 Jahren ist eine ziemlich brutale Erinnerung daran, dass das diesjährige digitale Format des Theatertreffens nur ein Provisorium ist und sein kann. So stark das Onlinetheater zugelegt und so gut sich manche ursprünglich analoge Inszenierung in den digitalen Raum transportieren lässt: Es gibt Formen theatraler Ästhetik, welche die Kopräsenz von Ausführenden und Publikum brauchen, denen räumliche Distanz und Zweidimensionalität nicht gut tun und die zu anstrengenden Ausdauerproben werden, wo sie sich im realen Theaterraum wohl um Längen besser aushalten ließen. Beiers Inszenierung ist ein Beispiel par excellence: im gar nicht nur negativen Sinne kraftmeierisch, multilevel, überfordernd, eine Wiederauferstellung des zuletzt weniger dominanten Verausgabungs- und Brülltheaters, das hier auf wortlastige Sprachflut trifft – eine Verbindung, die sich nur im Verabredungsraum einer verschworenen Theatersaal-Zwangsgemeinschaft wirklich gut ertragen lässt. Und so kann diese Rezension diesem Abend nicht genüge tun, bleibt er ein Fremdkörper in diesem hoffentlich letzten rein digitalen Theatertreffen-Jahr.

Bild: Arno Declair

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„Ich bin das nicht“

Theatertreffen 2021 – Nach Euripides: Medea*, Schauspielhaus Zürich – Livestream (Regie: Leonie Böhm)

Von Sascha Krieger

Die Rächerin und Kindermörderin, die Migrantin und die Verstoßene, die Heimatlose und das Opfer des Patriarchats: Die Liste der Etikette, die der von Euripides verewigten Medea aufgeklebt wurden, ließe sich schier endlos fortsetzen. Die Geschichte der „Barbarin“, die dem Geliebten in ein fernes Land folgt, nur um dort für die Königstochter verlassen zu werden, und aus Rache ihre Kinder ermordet, ist eine jener mythischen, vielfach neuinterpretierten Frauenfiguren, in denen jede neue Zeit Anknüpfungspunkte zu finden scheint. In letzter Zeit kam so manche feministische Lesart hinzu, die sich jedoch meist mit dem Kulminationspunkt der Handlung, dem Kindermord,  schwertat, die sich denn doch nur schwer als emanzipatorische Handlung deuten lässt. Leonie Böhm löst das Problem in ihrer Zürcher Überschreibung damit, dass sie die schreckliche Tat nurmehr als Möglichkeit gelten lässt, als Zitat, als Zuschreibung der Rolle, die diese Figur zu spielen hat. Und genau um die geht es Böhm und ihrer Darstellerin Maja Beckmann: um das Herantasten an, das Umkreisen dieser nahen und fremden Frau. So wie im Theatertreffen-Livestream die einzelne Handkamera Beckmann umkreist, zurückweicht, wieder näher kommt, nie still steht, gilt das auch für de Auseinandersetzung mit der Rolle im doppelten Sinn – dem Part der Medea, wie der ihr als Stereotyp zugewiesenen Verhaltensmuster.

Bild: Gina Folly

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Kanalratten hinter Glas

Theatertreffen 2021 – Max Frisch: Graf Öderland, Theater Basel / Residenztheater, München – Aufzeichnung (Regie: Stefan Bachmann)

Von Sascha Krieger

Nein, eine Parabel mit aktuellem Bezug wie Volker Löschs Dresdner Inszenierung von 2015, welche die Geschichte vom Staatsanwalt, der axtschwingend als mordender Anführer einer Bande Vegessener durch die Lande zieht, mit dem hasserfüllten Populismus der Pegida-Bewegung kurschloss, ist Stefan Bachmanns ausgrabung des selten gespielten Stücks von Max Frisch nicht. Dieser Öderland ist micht von dieser Welt, der Abend kein Kommentar der Gegenwart, eher ein zeitloses oder gar die Zeit negierendes Schauermärchen. Was im übrigen auch deswegen passt, weil die Inszenierung eine der letzten Premieren vor der Pandemie war, ein Relikt aus halb vergessner Zeit. Olaf Altmann hat dafür eines seiner postapokalyptisch minimalistischen Bühnenbilder geschaffen, welche die Spieler*innen zu Fredgeesteuerten, Getriebenen , Gefangenen von Schwerkraft und Raum machen.Ein trichterartiges Rohr erfüllt die Bühne, eine dunkle, fahl erhellte Kanalisation, in der die Mernschen wie Ratten – das Tier mit dem schlechten Ruf macht denn auch mehrfach seine Aufwartung – leben. Sie plumpsen durch ein Loch in der Rückwand hinein, werden vor wieder rausgespült, nur um zurück in den Kreislauf zu geraten.

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Bild: Birgit Hupfeld

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Jenseits der Automatenwelt

Theatertreffen 2021 – Anna Gmeyner: Automatenbüfett, Burgtheater (Akademietheater), Wien – Aufzeichnung (Regie: Barbara Frey)

Von Sascha Krieger

Abgefilmtes Theater: Nachdem die ersten beiden Einladungen zum diesjährigen Theatertreffen die Abwesenheit des gemeinsamen Live-Kunst-Erlebnisses in den Mittelpunkt rückten oder zumindest mitdachten und ästhetisch verarbeiteten, ist Barbara Freys  Automatenbüfett eine Erinnerung an selige Analogfestival-Zeiten. Eine jener 3Sat-Aufzeichnungen, die den Kartenlosen oder den Abwesenden ein wenig Theaterflair ins Wohnzimmer brachten oder ins Public Viewing, eine Draufschau von weitem, nicht mittendrin und nur halb dabei, nie behaptend, sie seien das das Erlebnis selbst. Heute, im Jahr zwei digitaler Theatertreffen, wirkt das wie aus der Zeit gefallen. Und passt damit zu diesem Stück und dieser Inszenierung. 1932 entstanden, Produkt einer Endzeit, stammt Anna Gmeyners Stück aus dem Kosmos jener Ödön von Horváths, aus der (post)apokalyptischen welt jener ganz unten, der Vergessenen und sich selbst vergessen Habenden, die die eigene Hoffnungslosigkeit sich in wölfischem (Selbst)Erhaltungstrieb, der schnell zu (Selbst)Vernichtungswille mutiert, entladen lassen. Und doch in bei Gmeyner selbst dieser brutale Drang zur Entmenschlichung, zum Überleben phne Ziel, bereits ermüdet, in Resignation erstickt, am Rande zur Farce balancierend.

Bild: Matthias Horn

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