Verzweifeln als Chance

Heiner Müller: Herzstück, Maxim Gorki Theater (Container), Berlin (Regie: Sebastian Nübling)

Von Sascha Krieger

Grau steht er da, der „Container“, neue Ausweicvh- und zusätzliche temporäre Nebenspielstätte des Maxim Gorki Theaters, in wenigen Wochen aufgebaut, nachhaltig, die Technik geliehen, die Baustoffe recyclebar. Ein Muster an Effizienz. Das Sebastian Nübling zur Eröffnung mit einer kleinen, unterhaltsamen, radikalen Ode an die Nicht-Effizienz bespielt, an die Verweigerung des Zielführenden. Eine solche ist auch Heiner Müllers kürzestes Stück, das Herzstück, 14 Zeilen gegen den Strich gebürstetes Liebesklischee. Das mit einer schönen Volte endet: Das Herz, das der erste Clown dem zweiten zu Füßen legen will, ist ein Ziegelstein, Symbol von Arbeit, Aufbauen, Produktivität. Und weil auch noch der  Satz „Arbeiten und nicht verzweifeln“ im kurzen Text steht, nimmt Nübling ihn als Ausgangspunkt für eine poetische Clownerie über die Arbeit und ihre Verweigerung. Statt zwei stehen nun sieben Clowns auf der leeren Bühne. oder eigentlich erst einmal einer. Dominic Hartmann versucht die Unterhaltunsmaschine in Gang zu bringen, bewegt sich breit grinsend zu zirzensisch jazzigen Musikfetzen, versucht die Mitstreiter*innen dazu zu bewegen, es ihm gleichzutun. Dabei ist er als Bühnen-Arbeiter „nur“ Imitator, was er später in einer Feedback-Runde auch zugibt. Einer, der den anderen ihre Posen und Bewegungen abschaut und sie spiegelt. Theater als Imitationsarbeit, als immer wieder scheiterndes Als-Ob.

Bild: Esra Rotthoff

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So ein Theater!

Nach Thomas Mann: Felix Krull. Stunde der Hochstapler, Berliner Ensemble (Regie: Alexander Eisenach)

Von Sascha Krieger

Dass wir uns in Alexander Eisenachs Spielzeit-Eröffnungspremiere ausschließlich im Theater aufhalten, erzählt uns schon Daniel Wollenzins Bühnenbild. Die Bretter, die die Welt bedeuten sollen, sind zwar eher notdürftig verlegt, neben dem schweren roten Theatervorhang aber für zumindest die Hälfte der 90 Minuten des Abends einziges Bühnenbild. Hier wird performt, gespielt, gefaket, was das Zeug hält. Marc Oliver Schulze eröffnet den Reigen mit einer virtuosen Geigennummer. Vivaldi natürlich, mit vollstem Einsatz vorgetragen – doch kommt die Musik vom Band. Publikum und Martin Rentzsch als Theaterdirektor ficht das nicht an, guter Slapstick ist unterhaltsamer als „echte“ Kunst, eine schöne Illusion mehr wert als dröge Wahrheit. Hier findet der Hochstapler Felix Krull seine Bestimmung, beim Anderen-etwas-Vormachen, Vorspielen, Vorführen, Sich-Erfinden. Und so ist an diesem Abend alles Theater: Es beginnt mit Slapstick, driftet ins Boulevardesk-Farcenhafte, macht Halt bei Castorf, verliert sich in Pollesch und wirft gegen Ende die große Schauer-Nebel-Maschinerie an, irgendwo wie zwischen Zirkus, Geistertanz und Sebastian Hartmann.

Bild: JR Berliner Ensemble

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#MeToo auf dem Nierentisch

Laura Wade: Zuhause bin ich Darling, Komödie am Kurfürstendamm im Schiller Theater (Regie: Philippe Besson)

Von Sascha Krieger

Der erzwungene  temporäre Umzug der Kudamm-Bühnen ins Schiller-Theater hat seine Vorteile. Vor den alten Standort hätte das halbe Dutzend US-Oldtimer kaum gepasst, das vor der deutschsprachigen Premiere auf Laura Wades im April mit dem renommierten Olivier Award als „Beste neue Komödie“ ausgezeichnetes Stück Zuhause bin ich Darling einstimmen sollte. Darin geht es nämlich um die Fünfzigerjahre. Oder besser: um ein Paar, das sich nicht nur von Petticoat und Rock and Roll inspirieren lässt, sondern gleich versucht, die Werte dieses vermeintlich friedvollen und geordneten Jahrzehnts zu leben versucht. Judy hat ihren Job aufgegeben, um ganz klassisch die Hausfrau für Johnny zu geben, ihn zu bekochen, Hausschuhe und Dring bereitzuhalten, wenn er nach Hause kommt. Damit rebelliert sie (natürlich) auch gegen die Mutter, mit der sich in einer Kommune aufwuchs, antiautoritär, feministisch, selbstbestimmt, immer politisch bewusst. Ohne Rahmen, ohne Vorgaben, wie sie sie jetzt etwa in einem Wälzer über „die perfekte Hausfrau“ sucht.

Bild: Franziska Strauss

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All Is Art. All Is Life.

Film review: Dolor y Gloria (Director: Pedro Almodóvar)

By Sascha Krieger

Water. The pale bluish twilight of a swimming pool reveals a scar, real and symbolic, a trace of decades of liefe, loss and suffering. Eyes closed, the scar’s wearer travels back, to a childhood memory, the stagnant pool transformed into a lively river drenched in sunlight, an almost unnatural lightness, a child smiling at his mother and her friends as they wash clothes among the dancing fishes. and sing. As he will, years later, becoming the solo choirboy at his Catholic school, before finding a different voice, that of a writer and film maker, a voice destroyed by pain and regret and self-pity before it re-emerges. Dolor y Gloria is Pedro Almodóvar’s most autobiographical film to date, an homage to the transformative and healing power of art and the necessity for it to correspond with life, in more than one direction. In it, Almodóvar goes back to an old companion, Antonio Banderas. Working together, they launched each other’s careers, now the director trusts his former star with his own alter ego. It’s a perfect choice for a film in which things often come full circle, the present takes up the threads of the past, art fills in the holes of life and coincidence acts as an agent of almost god-like benevolence.

Image: Studiocanal/ El Deseo / Manolo Pavón

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Out of Time

Film review: Nuestro Tiempo (Director: Carlos Reygadas)

By Sascha Krieger

A muddy lake. The camera moves across until it encounters a group of girls on a raft. Lying, chatting, lazily. Then they’re attacked by a group of boys, thrown off, playfully. The camera moves on. On the shore, it finds a group of teenagers, engaged in the gossip and banter and awkwardness of blossoming sexuality. The camera-eye’s journey continues. It finds farmers, farm workers, engaged in work, post-work encounters, the small talk of tender, playful, awkward, cautious sexual politics, the innocence of the children, the curiosity of the adolescents lost. Nuestro Tiempo, meaning „Our Time“, doesn’t just take its time, it creates its own. It’s non-linear, circular, a cirvle of attraction, holding back, resentment, blossoming in the young, poisoning the older. A time that doesn’t get off the ground, that gets stuck, in the desired and the unsaid, the reckless and the considerate, both equally inadequate to what is not and will never be rational. As the bright hope of summer, tinged with a hint of paleness, makes way to the confusion of an almost constant, often misty, somewhat opaque twilight, the film sets out, slowly, in suspended time, to explore the murky, unbridgeable gap that lies between humans, even and particularly those that claim to be „together“.

Image: Grandfilm / Les Films du Losange

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An Ordinary Man

Kenneth Lonergan: The Starry Messenger, Wyndham’s Theatre, London (Director: Sam Yates)

By Sascha Krieger

The Starry Messenger, first performed on Broadway in 2009, is a labour of love. In it Kenneth Lonergan, since awarded with an Oscar for Manchester by the Sea, remembers a teacher he encountered as a teenage by at the now long demolished Hayden Planetarium in New York City. Together with his childhood friend Matthew Broderick, Lonergan felt inspired by this quiet, serious man and started imagining his life story. Completed, it was Broderick himself, who brought the anonymous teacher to life and does so again in this year’s revival. This Mark in an introverted man, full of inferiority complex, of feeling inadequate, and in love with science. A husband and father, loving, yet not very good at showing emotions. Facing a (final?) career chance, an unlikely romantic encounter and hostile final class at the soon to be disappearing planetarium, he feels the pangs of middle age, the disappearance of opportunities, the running out of option.

Image: Sascha Krieger

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The Man in the Middle

David Mamet: Bitter Wheat, Garrick Theatre, London (Director: David Mamet)

By Sascha Krieger

Dvid Mamet is not only one of the world’s most popular and successful playwrights – as a prolific screenwriter with two Oscar nominations under his belt, he also possesses expert knowledge of the workings of the film industry. A play based on the #MeToo movement’s pivotal moment of the scandal involving Hollywood mogul Harvey Weinstein therefore carries with it an expectancy of exclusive insights and the sharp direct tone Mamet has become synonymous with. But there is also doubt, as Mamet’s own gender depictions have traditionally received some criticism. The world premiere of his latest play Bitter Wheat, directed by Mamet himself, meets – at least partly – all these expectations. His Weinstein is called Barney Fein, a vulgar, expletive-happy, larger than life brute, manipulative, persuasive, openly abusive. John Malkovich, that most physical of Hollywood actors, that expert in cynicism and leering threat, is his perfect embodiment. His heavy body does not inhabit the stage, it usurps it, conquers it, holds it hostage.

Image: Sascha Krieger

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A Family Sketch

Jack Thorne: the end of history…, Royal Court Theatre, London (Director: John Tiffany)

By Sascha Krieger

When author Jack Thorne and director John Tiffany last teamed up, they created the imaginative whirlwind that is Harry Potter and the Cursed Child that is still wowing sold-out auditoriums three years later. Their latest collaboration is a lot more personal, intimate, and has a very different scope. Partly autobiographical, the play charts a family history over 20 years. The parents are leftist idealists who have named their children after some of their heroes – Karl Marx, Thomas Paine and anthropologist Polly Hill – their offspring struggling to find their ways through parental expectations in a way less ideological and idealist age. High-flying daughter Polly becomes a corporate lawyer, older brother Carl a failing family man while rebellious Tom turns out to be a struggling would-be artist. All lost, all successes and failures at the same time. We meet the family three times: in 1997, just after Tony Blair’s election, and then again ten and twenty years later, the last time just after mother Sal’s death.

Image: Sascha Krieger

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Hunters and Deer

Thomas Vinterberg and Tobias Lindholm, adapted by David Farr: The Hunt, Almeida Theatre, London (Director: Rupert Goold)

By Sascha Krieger

In his film The Hunt, Thomas Vinterberg tells the story of an elementary schoolteacher falsely accused of sexually abusing a young girl. It depicts how he is ostracised, shut out from every aspect of community life, how his friends become a mob and fear turns into hate. It does so with stark naturalism, focusing on the everyday, the day to day struggles that form the nightmare that is bow his wife. In their tight theatre adaptation, David Farr and Rupert Goold swap the realism for a more ritualistic approach.

Image: Sascha Krieger

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Make-Belief Humans

Arthur Miller: Death of a Salesman, Young Vic Theatre, London (Directors: Marianne Elliott & Miranda Cromwell)

By Sascha Krieger

Reality is a fickle thing. In Arthur Miller’s classic, travelling salesman Willie Loman increasingly loses his grip on it, getting swept up in memories, fantasies and long lost dreams. In the Young Vic’s new production, reality is not much to begin with. Anna Fleischle’s set focuses on fragments: door and window frames hang suspended from the ceiling, so do pieces of furniture, they are lowered or brought forward when needed, providing an illusion of reality while emphasising its sketchy nature. The world is skeletal, no more than a hint of a physical presence long dissolved or never existing in the first place. Willie Loman is a man of illusions, of elaborate dreams, a captive of self-deception, a victim of his own make-belief. This is the world he lives in: a vague idea of a half-realised reality in which nothing has substance. So it doesn’t really matter whether we’re in the present or the past, the „real“ or the „imagined“. All of this is a fantasy, born of the dream that’s called American, of its promise and its lies.

Image: Sascha Krieger

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