The Long Journey Home

Phillip McMahon: Come On Home, Abbey Theatre (Peacock Stage), Dublin (Director: Rachel O’Riordan)

By Sascha Krieger

Home is a drab  living room. Shabby wall-paper, a well-worn armchair, an old sofa (set design: Colin Richmond). The light is always somewhat on the dim side. In the middle of the room: a coffin. The lady of the house has died, time for her disgraced gay son, a former seminarian thrown out of his education and then his home to return after 20 or so years. This is the setting of Phillip McMahon’s new play, produced on the Abbey’s Peacock stage by director Rachel O’Riordan. The sense and meaning of home has been at the heart of Irish theatre since it was created as a concept as part of the re-awakening of the idea of an Irish nation around the beginning of the last century – a process the creation of the Abbey was a key part of, by the way. Home is where the corpses are, the skeletons in the closet or in plain sight. Collective or personal, the past always seems present when Ireland is trying to find out who she is. May playwrights have wrestled with those demons, the ghosts of an insecure and repressive society, a religious dictatorship , a stifling authoritarian molarity driving generations away. Recently, Ireland has opened: marriage equality, abortion rights, attempts to uncover the past and heal its wounds. This is the backdrop of Come On Home, a reminder that there is still a long way to go.

Image: Patrick Redmond

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The Smallest of Worlds

James Joyce (Adapted by Dermot Bolger): Ulysses, Abbey Theatre, Dublin (Director: Graham McLaren)

By Sascha Krieger

This summer, Dublin’s two major theatres are diving into the collective identity of Ireland’s capital city. While the Gate has a somewhat harmless stab at one of the most popular expressions of modern, post-Church-state Ireland with Roddy Doyle’s The Snapper, the Abbey, traditionally the space for discussions about and definition of Irish identity, takes on the book that put Dublin on the map, in literature and the mind of the world, and has influenced the way the city is looked at ever since: James Joyce’s Ulysees. Even so, its Dublin-ness might not be the key aspect of this mammoth of a novel: the way it has revolutionised story-telling, the way it presents the world through streams and puddles and rivers of consciousness, unconsciousness and fantasy, the way it represents a fragmented, non-objective perception of reality has radically changed this very perception and collective awareness of it. And literature, too, for that matter. A theatre adaptation naturally has to make choices, cannot do justice to the novel’s achievements in their entirety. But even with this caveat, Dermot Bolger’s adapation and Graham McLaren’s production leave much to be desired. Way too much, to be honest.

Image: Ros Kavanagh

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Dont’t Worry, Just Laugh

Roddy Doyle: The Snapper, Gate Theatre Dublin (Director: Róisín McBrinn)

By Sascha Krieger

Sometimes, books have a lasting impact on an entire society. Roddy Doyle’s famed and beloved „Barrytown trilogy“ is among those, a defining moment of Dublin identity, a Dublin that is urban, modern, decidedly working class. The quirky, lovable characters, the torching one-liners, the equal love of life and family and expletives helped shape the identity of not just the capital city but the entire country away from the grip of the past, the demons of the church state, the backwards politics of agrarianism and a neutrality that was decidedly anti-British. Sure, the working-class Dublin depicted left out its darkest parts, poverty, the drug epidemic, the trauma of unemployment, violence and crime, the lingering repression of an overpowering church that seemed to have missed the love part of the Christian message. Things are a little harmless, a little cozy and very much optimistic. The books celebrate the vibrancy, the stubborn lust for life at the lower end of the social spectrum, while not giving a sociologically accurate portrait of this part of society. They’re about spirit, not social criticism: Hardly any books could be further from the Ireland of Frank McCabe’s Angelas’s Ashes.

Image: Ste Murray

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Die Ratten sind müde

Molière: Don Juan, Residenztheater, München (Regie: Frank Castorf)

Von Sascha Krieger

Als Herrscher ohne Haus muss wohl selbst ein Frank Castorf die Werbetrommel rühren. So wohlwollend man ihm in seinen Münchner, Hamburger oder Zürcher Halb-Exilen begegnet, so sehr muss auch er hier um sein Publikum buhlen, zumal sein Theater außerhalb des Volksbühnen-Kokons von vielen Zuschauer*innen nach wie vor als „radikal“ wahrgenommen wird. Anders ist das unsägliche Interview, das der wie kein zweiter deutschsprachiger Regisseur Angehimmelte kürzlich der Süddeutschen Zeitung gab und in dem er sich anhand abstruser Fußballvergleiche zur Aussage verstieg, weibliche Theatermacher*innen seien in der Regel schlechter als männliche. Selbst für den überzeugten Macho Castorf war das harter Tobak, Empörung und offene Briefe ließen nicht lange auf sich warten. Castorf hingegen hatte was er wollte: Aufmerksamkeit für sein neues Projekt – Molières Don Juan am Münchner Residenztheater. Premiere hatte die Inszenierung, als sich Theater in anderen deutschen Metropolen bereits in die Sommerpause verabschiedeten – da tut ein bisschen Publicity gut. Und ein dem Sujet angemessener Schuss Sexismus. Das Provokationsspiel beherrscht Castorf wie eh und je und Rücksichtnahme ist seine Sache nicht. Wenn sich der frauenverachtende Wutbürger jetzt bestätigt fühlt, was soll’s? Hauptsache, das Theater ist voll.

Bild: Matthias Horn

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„Dann geht’s halt nicht“

Lola Arias in Zusammenarbeit mit Raeed Al Kour: What They Want to Hear, Münchner Kammerspiele (Regie: Lola Arias)

Von Sascha Krieger

Das BAMF, mit vollem Namen Bundesamt für Migration und Flüchtlinge,findet sich derzeit immer wieder in den Schlagzeilen. Zuletzt sorgte ein „Skandal“ in Bremen für Empörung: Da war einigen Menschen möglicherweise zu Unrecht Asyl gewährt worden. Der Aufschrei war groß, es wird ermittelt, die BAMF-Chefin musste gehen. Dass die überwältigende Mehrheit aller fehlerhaften Asylbescheide zu Ungunsten der Antragsteller ergehen, war den Medien und erst recht den sich echauffierenden Politikern meist nicht einmal eine Fußnote wert. Wie es in den Mühlen der Asylbürokratie tatsächlich aussieht, hat sich die argentinische Regisseurin Lola Arias genauer angeschaut. Sie hat sich einen realen Fall, den des Syrers Raeed Al Kour, herausgesucht und rollt ihn mit den syrischen Schauspielern des Open Border Ensemble akribisch auf. Man könnte fast sagen: mit bürokratischer Genauigkeit.

Bild: Thomas Aurin

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Opening Doors

Film review: Love, Simon (Director: Greg Berlanti)

By Sascha Krieger

First of all: Love, Simon’s greatest achievement is that it was made. Believe it or not, the film is Hollywood’s first teenage film slash comedy with a gay protagonist. Ever. Its director Greg Berlanti has been a trailblazer in bringing gay topics to screens outside the „indie“ field, starting with the wildly successful 1990s teen TV blockbuster Dawson’s Creek, where as the showrunner he insisted in introducing a gay couple, even threatening to resign if it wasn’t included. Now he’s opened teen popcorn cinema to the fact that a significant percentage of its depicted group – and target group – loves members of their own sex. The fact that this is worth mentioning and even regarded as revolutionary in 2018, is not something to be proud about for Hollywood. That it has finally been done is at least a silver lining.

Image: © 2017 Twentieth Century Fox

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Kaltes Herz

Nach Édouard Louis: Im Herzen der Gewalt, Schaubühne am Lehniner Platz, Berlin (Regie: Thomas Ostermeier)

Von Sascha Krieger

Es ist kein besonders angenehm zu lesendes Buch. Wie auch? In Im Herzen der Gewalt, Édouard Louis‘ zweitem Roman, geht es um einen Akt brutalster Gewalt: Ein junger Mann trifft nachts einen anderen auf der Straße, nimmt in mit nach Hause. Sie haben Sex, mehrfach. Dann entdeckt er, dass der andere Tablet und Smartphone eingesteckt hat. Die Lage eskaliert, es kommt erst zum Mordversuch und dann zur Vergewaltigung. Louis erzählt hier seine eigene Geschichte. Ihm ist das passiert, zu Weihnachten. Minutiös, obsessiv erzählt er die Versuche des Umgangs mit dem Geschehenen: das Sich-Verschließen wie das zwan- und krampfhafte Sich-Öffnen, die Suche nach Erklärungen, das Verdrängen, den Umgang mit den mal gleichgültigen, mal feindseligen, oft entwürdigenden Reaktionen von Polizei, Ärzten, Familie, den Aufbau einer Lüge, die das Weiterleben ermöglicht. Primär geht es um die Zurückgewinnung der Kontrolle über sich selbst und die eigene Geschichte. Ein schmerzhafter Prozess, auch für den Leser. Louis gelingt er, indem er die Geschichte zunächst outsourcet, die Schwester sie ihrem Mann erzählen lässt, was ihm die Möglichkeit gibt, sich ihr aus der Distanz zu nähern, sie quasi von außen zu betrachten, Fehler zu finden, zu korrigieren, die eigene Sicht, die eigene Stimme zu finden.

Bild: Arno Declair

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Ruhe in Schoki

Benny Claessens: The Last Goodbye / Vibrant Matter, Hebbel am Ufer (HAU1), Berlin (Regie: Benny Claessens)

Von Sascha Krieger

„Der Stillstand ist eine Synkope, an der das Private das Gesellschaftliche berührt. In seiner Leere und Bedeutungslosigkeit schwebt die Erwartung an etwas Neues, Größeres, das dieses Vakuum füllen könnte. Er lenkt unseren Blick auf das Kommende.“ Schön klingt er, dieser Text aus der Stückankündigung, der auch den Abendzettel von Benny Claessens neuer, fast dreieinhalbstündiger Performance am Berliner HAU ziert. Tiefgründig, philosophisch, zu unendlichen kreativen Reflexionen über das Ende und den Anfang inspirierend. Und es geht durchaus vielversprechend los. Freundlich ins Publikum winkend treten die fünf Performer*innen aus dem Bühnenhintergrund hervor, hauchen scheue „Hi“s und „Hello“s gen Zuschauerraum und gehen ab. Dann kommen Shiori Tada und Rob Fordeyn zurück, setzen sich ins Dämmerlicht – der Abend wird im Niemandsland von Sonnenauf- und -untergang verharren – einander halb zu-, halb abgewandt. Immer wieder begegnen sich die Blicke, für einen Moment nur, streicht Tada Fordeyn sanft übers Gesicht, nickt sie ihm kaum merklich zu. Eine stille Sinfonie des Annäherns und Zurückweichens, des Begrüßens und Abschiednehmens, des Wartens, auf etwas, was da kommen möge. Ein intimer, intensiver, berührender Beginn. Eine Verheißung, die der Abend nie einlöst.

Bild: Sascha Krieger

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Die Magie des Scheiterns

Forced Entertainment: Out of Order, Schauspiel Frankfurt / Künstlerhaus Mousonturm, Frankfurt am Main / Hebbel am Ufer (HAU2), Berlin (Regie: Tim Etchells)

Von Sascha Krieger

„Ever tried. Ever failed. Try again. Fail again. Fail better.“ Vielleicht sind die Engländer von Forced Entertainment ja die wahren und legitimen und einzigen und Wahrhaftigen und überhaupt Erben Samuel Becketts. Diese Virtuosen und Handwerker und Schwerarbeiter der Vergeblichkeit. Spätestens seit Real Magic und dessen Einladung zum Theatertreffen weiß man auch im deutschsprachigen Raum, dass wohl niemand sonst die unerträglichste Erkenntnis des Menschen, die seiner Vergänglichkeit und der Unmöglichkeit, wirklich Bleibendes zu hinterlassen, auf so konsequente, theatrale, geradlinige und durch und durch clowneske – jene unschlagbare Mischung aus zwerchfellerschütternder Komik und existenzieller Traurigkeit – Weise auf die Bühne zu bringen vermag wie die Gruppe um Tim Etchells. Out of Order setzt an, wo Real Magic aufhörte – und ebenfalls anfing. Denn Lineraität ist der Grund alles Scheiterns und der Feind seiner Erkenntnis. Ganz in Becketts Sinn besteht das Theater von Forced Entertainment darin, immer wieder anzufangen, die landläufig Einstein zugeschriebene These, der Wahnsinn bestünde darin, immer wieder das Gleiche zu versuchen und auf einen anderen Ausgang zu hoffen, auszutesten, zu bestätigen und vielleicht gerade darin zu widerlegen.

Bild: Sascha Krieger

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Die geraubte Stimme

Björn SC Deigner nach einer Idee von Anna Berndt (Fassung von Sebastian Hartmann): In Stanniolpapier, Deutsches Theater (Kammerspiele), Berlin (Regie: Sebastian Hartmann)

Von Sascha Krieger

Zum Abschluss ein „Skandal“. Man muss dem Deutschen Theater ja fast dankbar sein, dass es auf die abstruse Idee kam, den Stückezertrümmerer, Textumdeuter und -visualisierer Sebastian Hartmann eine Uraufführung anzuvertrauen. Und dann auch noch eine im Rahmen der „Langen Nacht der Autoren“, dem Höhe- und Endpunkt der Autorentheatertage, für die drei Stücke von einer Jury ausgewählt und von einem der kooperierenden Theater (bis zu diesem Jahr waren das neben dem DT das Wiener Burgtheater und das Schauspielhaus Zürich) uraufgeführt werden. Hier sollten Autor*in und Text im Vordergrund stehen. Ein Unternehmen, das im Falle von Björn SC Deigners In Stanniolpapier reichlich schiefging. Am Ende einigte man sich darauf, das Wort „Uraufführung“ durchzustreichen und das Stück „in einer Fassung von Sebastian Hartmann“ zu spielen. Das Publikum bekam neben dem Programmheft ein sich distanzierendes Statement der Jury und den Originaltext ausgehändigt.

Bild: Arno Declair

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