Berlinale 2020: Day 4

By Sascha Krieger

Undine (Competition / Germany, France / Director: Christian Petzold)

„If you leave now, I’ll have to kill you“, she says. Johannes has just broken up with her but Undine won’t accept it. Paula Beer is looking at him in the half-absent, half-defiant way she’ll only lose shortly when accepting her love with Christoph (Franz Rogowski), an industrial diver she meets just after being abandoned by his predecessor. Undine will make good on her promise, becoming her namesake, a mythical water nymph, popularised during Romanticism. Water plays a pivotal part in Christian Petzold’s new film. It explodes, saves, kills, shelters. It has a hazy, darkly greenish colour to which the film succumbs at its very end. It contrasts with the crisp, cold clean colour scheme of reality, a reality – shot as always with Petzold in rigid, calm, uncompromisingly formal frames, a cold, antiseptic reality unlike the murky waters of love to which Undine belongs. Beer always looks a little out of place in this modern world here, only acquiring that look of quiet confidence when she’s in her element. The realism gives way to, squabbles with, gets mixed up in surrealist moments, an exploding aquarium, a giant catfish, Undine becoming the nymph. Driven by a Bach piano piece giving it a more fairy-tale atmosphere, Undine is a stark, poetic, rough-edged, yet – even though just in short, precious moments – surprisingly warm and tender tale on the traps of love, the impossibility and necessity to let go, the choices we make for love and for life. Undine’s relentlessness, her absolute loving isn’t for this world, Christoph’s gentle warmth is, or just might be. While the film at times tends to tilt a little towards the obvious, it delivers the somewhat surreal, fantastic and frightening extension of reality so typical of Petzold’s work. It offers chances and risks. None can be had without the other.

Undine (Image: © Christian Schulz/Schramm Film)

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Berlinale 2020: Day 3

By Sascha Krieger

Le sel des larmes (Competition / France / Director: Philippe Garrel)

Luc loves Djemila. Luc loves Geneviève. Luc loves Betsy. One after the other or at the same time. Philippe Garrel’s film feels like the essence of French love stories. The man who cannot help but love, the women who are left behind. Strong, maybe, but broken nonetheless. The male point of view is strong in this film that seems out of its time. Sure, Luc is not idolised but shown as selfish enough to be criticised while still scrupulous enough for the viewer to feel sympathy for him. The women, at the same time aren’t merely weak objects but victims nonetheless, dependent on the man’s whims. Even when Betsy exercises her rights to do as she is done with and adds a second man to the fray, Luc will take back control. His father, played angelically by André Wilms is a (male!) moral role model who is way too pure to be believed. The narrative gives the whole story an almost parable-like feel, the grainy black and white aestheticise it further. This is a tale about love and the doubt as well as the belief in it – told mainly from a male perspective. Luc may be acting badly and irresponsibly but he is only a man with strong emotions so what can one do? Le sel des larmes is a rather old-fashioned tale of love that is really selfishness, drenched in soppy piano music, driven by a cheesy off narrative, painted in „romantic“ black and white and full of old men’s fever dreams that have bothered French cinema for too long. Sorry to see them still alive.

Le sel des larmes (Image: © G. Ferrandis 2019/RECTANGLE PRODUCTIONS CLOSE UP FILMS -ARTE FRANCE CINÉMA RTS RADIO TÉLÉVISION SUISSE)

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Berlinale 2020: Day 2

By Sascha Krieger

El prófugo (Competition / Argemntina, Mexico / Director: Natalia Meta)

Inés is a voice actor and choir singer afraid of everything: heights, flying, bats, you name it. When her boyfriend dies in undisclosed circumstances while on holiday, she slowly begins to unravel. An „intruder“ has entered her, she is told by an older colleague, an entity entering throiugh her dreams and altering reality. As reality, dreams and imagination begin to overlap – mixing in some of the set pieces of the Asian horror film she is dubbing – it becomes less and less clear which is which. Ultimately, Inés starts to fight her intruder(s) leading her to the point at which she wonders whether she actually wants to get rid of them. El prófugo is a well-produced genre piece, amospherically solid, especially through its focus on dark, claustrophobic rooms, aesthetically consistent with its clean, polished imagery, including some more unusual perspectives but mostly relying on the proven, and its well enough constructed tension arc although the identity of the (main) intruder is quite obvious early on, with the film adding a nicely sexual element at the end as well as the twist that this might not matter all that much. This is a solid, slightly original, slick and bearably subtle psychological thriller that is rather self-sufficient as such. However, as the first entry in an A festival’s competition, this rather slight work is almost criminally misplaced.

ONWARD

Onward (Image: © 2019 Disney/Pixar. All Rights Reserved.)

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Berlinale 2020: Day 1

By Sascha Krieger

My Salinger Year (Berlinale Special Gala / Canada, Ireland / Director: Philippe Falardeau)

Joanna is a young aspiring writer arriving in New York deciding she wants to follow in the footsteps of her literary hero. She ends up in a literary agency, dealing, among other things, with their most famous and reclusive author and being challenged by the agency’s boss Margaret. JD Salinger. My Salinger Year is a good-humoured coming-of age story about a woman trying to find her voice and her way in the world. Margaret Qualley plays a naive girl with hidden potential, Sigourney Weaver – very reduced – a tough business woman with a soft core. This is mass production stuff at first sight – until it isn’t „Corresponding“ with Salinger’s fans who she imagines, who „visit“ them, who end up transforming her reality into a more imaginative (and imaginary) alternative, she incorporates their voices, their views, their perspectives to make hers fuller, more complete, more universal as well as more her own. Much of the story is set pieces, the failed relationship with an overbearing man, the mentor storylines, the tragedy revealing one’s true self, the abundance of writer’s clichés. Yet the gentle storytelling, the warm, half-dreamlike light, the subtle performances and the obvious love director and cast feel for the story and the people they’re telling, shine through, giving the film a more personal, emotional, slightly quirky feel. The end is lazy cliché but well, mustn’t literature sometimes be allowed to do that as well?

My Salinger Year (Image: © micro_scope)

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„Die Bretter, die den Wald bedeuten“

Junges DT – Nach Friedrich Schiller in einer Fassung von Joanna Praml und Dorle Trachternach: Die Räuber, Deutsches Theater (Kammerspiele), Berlin (Regie: Joanna Praml)

Von Sascha Krieger

Am Anfang steht das Erschrecken: Sind die echt? Sind die wirklich da? Sind wir nicht allein? 15 junge Spieler*innen haben gerade die Bühne betreten, die Bretter, die später den Wald bedeuten werden (das Wortspiel fällt tatsächlich), um die Proben zu Friedrich Schillers Die Räuber zu beginnen. Allein, eigenverantwortlich, ohne den Blick der Eltern, der Lehrer, der Gesellschaft. Und dann sitzen wir da, das Publikum, beobachten, zweifeln, werten. In Die Räuber geht es um vieles: Freiheit, Rebellion, Generationenkonflikte, Familiäres, die Emanzipation von Erwartungen und Druck der Eltern, der Gesellschaft. Themen, die nicht wirklich an Aktualität verloren haben, gerade für Menschen, die soeben in das zu starten scheinen, was ihnen die Älteren als Leben vormachen. Klar sollen sie ihren Weg finden, aber welche zur Verfügung stehen, nach welchen Regeln zu spielen ist und welche Rollen zur Auswahl stehen, entscheiden gefälligst wir die Gesellschaft. Und da sitzen wir jetzt, menschengewordener Druck, Be- und Abwertung, Einengung. Klar könnt ihr euer Ding machen – solange wir es uns erlauben.

Bild: Arno Declair

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Aus dem Glashaus

Anta Helena Recke: Die Kränkungen der Menschheit, Münchner Kammerspiele / Hebbel am Ufe (HAU 2), Berlin, Kampnagel, Hamburg / Mousonturm, Frankfurt am Main (Inszenierung: Anta Helena Recke) – eingeladen zum Theatertreffen 2020

Von Sascha Krieger

Vielleicht befindet sich die westliche Gesellschaft gerade in einer kollektiven Depression. Wie anders wäre es zu erklären, dass Siegmund Freud, der „Vater“ der Psychoanalyse, der „Entdecker“ des Unbewussten, der Hervorkramer des Verdrängten, gerade mal wieder Hochkonjunktur zu haben scheint. Theater inszenieren seine Traumdeutung, in Zeiten von Debatten darüber, wie sehr toxische Männlichkeit einen, wenn nicht den Kern der Sinnkrise der westlichen Zivilisation bildet, interessieren Freunds stark männlich fokussierte Verunsicherungsszenarien besonders. Auch Anta Helena Recke, eine Künstlerin, die weiße ethnozentrische Weltbilder hinterfragt – die immer auch männlich patriarchal geprägt sind – nimmt Freud in ihrer neuen Arbeit als Ausgangspunkt. Drei Kränkungen haben die Menschheit in der Moderne in die Krise gestürzt, war er überzeugt: die Erkenntnis, dass die Erde und damit der Mensch nicht Mittelpunkt des Universums seien, die Abstammung des Menschen vom Affen und eben die Entdeckung des Unbewussten durch ihn selbst. Drei Ereignisse, die den Glauben an die Allmacht des Menschen erschütterten. Die immer eine Allmacht des weißen männlichen Menschen bedeutete. Weshalb Recke nun eine vierte Kränkung hinzufügt: die Erkenntnis des weißen Mannes, dass die Menschheit nicht nur aus ihm besteht, es die von Freud postulierte „Menschheit“ als Einheit gar nicht gibt.

Bild: Gabriela Neeb

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Liebe als Ware

Ester Roth und Luise Thiele: Grillade Grande 666, P14 – Jugendtheater der Volksbühne Berlin (3. Stock) (Regie: Ester Roth und Luise Thiele)

Von Sascha Krieger

In einer Art Sommercamp sollen wir uns wohl befinden, zumindest behauptet das der Andigungstext auf der Volksbühnen-Website. Unterschiedliche Gruppen bevölkern es: Schwarzgekleidete ständig deprimierte Goths, die „Sea Roses“, bunt gekleidete dauerlächelnde Romantiker*innen und weißgewandete 90er-Jahre-Überbleibsel zwischen Love Parade und Gaming. Alles fein säuberlich getrennt und kategorisiert, denn schließlich befinden wir uns – wie die per Video in tristem Ambiente erzählten Unternehmerstories am Anfang und am Ende klar machen – im Herzen des Kapitalismus. Das Sommercamp ist Produkt und Marketinginstrument von „White Pillow“, irgendwas zwischen Konzern und Kult, weswegen Daunenkissen und ihre Inhalte an diesem Abend auch eine nicht unwesentliche Rolle spielen. Apropos Rollen: Natürlich sind alle in den vorgegebenen ihrer jeweiligen „Gruppe“ gefangen – und fühlen sich zunehmend unwohl. Die Feier der Schwarzträger*innen anlässlich des Geburtstags von Cure-Frontmann Robert Smith endet abrupt, als sie feststellen, dass „der depressivste Mensch der Welt“ sich eben nicht umgebracht hat. Es sei Zeit, sich von romantischen Fantasien zu befreien. Sagen sie und umranden sich die Augen mit schwarzem Make-up.

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An Schnüren in die Welt

William Shakespeare: Hamlet, Maxim Gorki Theater (Container), Berlin (Regie: Christian Weise)

Von Sascha Krieger

„Es ist etwas faul im Staate Germany.“ Moment, Germany? Ja, bei Christian Weise spielt sich das Drama um den Dänenprinzen in einem expressionistisch abstrahierten Deutschland statt, das durchgängig in der nicht gerade akzentfrei verzerrten englischen Variante benannt wird. Das ist „unser“ Land und ist es nicht, sind wir und sind es natürlich nicht. Ein lustvolles Spiel der Ebenen, das die drei Stunden recht kurzweilig erscheinen lässt – bei einem so bekannten und durchgenudelten Stoff an sich schon eine bemerkenswerte Leistung. Julia Oschatz hat eine mehrzimmrige Bühne geschaffen in blaugrau verzerrter Mischung aus Realismus und Expressionismus, ein Cartoon-Land moderner Einrichtungshölle, ein Spielplatz für Fantasien und theatrales Ausprobieren. Svenja Liesau, die einmal damit kokettiert, eigentlich die geborene Nebendarstellerin zu sein, ist Hamlet. Oder ist, die Hamlet spielt. Oder die spielt, dass sie Hamlet spielt. Oder so. Und sie tut es in jedem ihr zur Verfügung stehenden Modus. Immer wieder weist sie Musiker Jens Dohle an, jetzt doch bitte das Genre zu wechseln. Dann wird Horrorfilm gegeben oder hohe Tragödie oder Musical.

Bild: Esra Rotthoff

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Der Glanz des Authentischen

Zelal Yesilyurt: GO Baby GO, P14 – Jugendtheater der Volksbühne Berlin (3. Stock) (Regie: Zelal Yesilyurt)

Von Sascha Krieger

Die Geschichte von Jeremiah „Terminator“, kurz JT, LeRoy ist eine so abenteuerliche, dass sie sich nur im literarischen Umfeld abspielen konnte. Ein Shooting Star der US-Literaturszene der 1990er-Jahre sorgte der autor für Aufsehen mit semibiografischen Romanen und Kurzgeschichten über eine Jugend und Kindheit zwischen Armut, Verlassenwerden, Prostitiution, Gealt und Missbrauch. Sohn einer Prostituierten folgte der Teenager seiner Mutter schon sehr jung in ihrem Beruf, bevor er „gerettet“ wurde, sein Leben aufschrieb und zum Star wurde, der – was seinen Ruhm und seine Faszination nur noch verstärkte – Phantom blieb, nicht greifbar, sich lange der Öffentlichkeit entzog, bevor er zuweilen auftauchte, verkleidet mit Perücke und Sonnenbrille, zumeist das Wort abtretend an seine Sprecherin „Speedie“. Eine Geschichte, die unmöglich wahr sein konnte – und es auch nicht nicht war. LeRoy war eine Erfindung der eigentlichen Autorin, Laura Albert, die hinter Speedie steckte und deren Schreiben Resultat telefonischer Therapiesitzungen war und die das Alter Ego brauchte, um das zu Sagende aussprechen oder eben aufschreiben zu können. Und JT wurde gespielt von Alberts Schwägerin. Am Ende gab es Enthüllungsstories und einen Prozess, den Albert verlor. Für die Geschichte hat sie noch nicht die Folmrechte erteilt. Schade eigentlich.

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Aber bitte mit Sahne

Nach dem Roman Die Wand von Marlen Haushofer: Sophie Rois fährt gegen die Wand im Deutschen Theater, Deutsches Theater, Berlin (Regie: Clemens Maria Schönborn)

Von Sascha Krieger

Eine Frau findet sich in einer Berghütte wieder, durch eine Wand abgeschnitten vom Rest der Welt, der Familie, jeglicher Mitmenschen. Sie lernt, selbstbestimmt zu leben, autark, für sich, sich selbst – mit Hund und Kuh – die Welt zu sein. Zivilisationskritik unterstellte man Marlen Haushofers 1964 erschienenem Roman Die Wand sicher nicht zu unrecht – er ist aber, wie das schlanke Programmheftchen klar macht, auch eine Emanzoiationsgeschichte, die einer Frau, die zu sich, zu Frieden und Klarheit findet, weil und indem sie sich löst, von allem, was zuvor ihr Leben bestimmte, kontrollierte, einengte, Rollenerwartungen, gesellschaftlichen Zwängen, familiären Institutionen. Am Deutschen Theater ist Sophie Rois nun diese Namenlose – oder besser, sie liest und spielt und spricht sich hinein in sie. Zu Beginn steht das ein grauer Zweisitzer auf der Bühne, davor ein Kaffeetischchen mit zei Tassen. Rois kommt herein, setzt sich, trinkt, zündet sich eine Zigarette an und liest. Zunächst den Klappentext, dann Passagen aus dem Buch. Eine Annäherung, zunächst distanziert, etwas gelangweilt, wenig enthusiastisch.

Bild: Arno Declair

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