Im falschen Film

Jan Koslowski, Thilo Fischer: Die Alleinseglerin segelt allein!, Ballhaus Ost (Regie: Hannah Dörr und Jan Koslowski)

Von Sascha Krieger

Remakes sind ja bekanntlich – wieder? immer noch? jetzt erst recht? – in ModeWarum eine neue Idee suchen, wenn jemand schon mal eine gute hatte? Das Theater des aus dem Volksbühnen-Universum in Form von dessen Jugendtheater P14 stammenden Jan Koslowski war schon immer ein recyclendes, ein Vorlagen aufnehmendes und durch den theatralen und diskursiven Wolf drehendes. Das konnten überkommene Konzepte und Rituale von Erwachsenwerden oder Freundschaft sein oder – und nicht selten sowohl als auch – mediale, massenkulturelle Vorlagen, Vorgaben, Vorbilder. Sein gemeinsam mit Michel Decar entwickeltes Projekt Kevin allein im Universum ist ein gutes Beispiel. Auch jetzt, im Ballhaus Ost, macht er sich wieder an ein Remake. Oder besser gesagt, er behaltet die scheiternde Entstehung eines solchen. Bei der Vorlage handelt es sich um Die Alleinseglerin, einen in der Spätphase der DDR 1987 entstandenen Film des Coming-of-Age-Experten Hermann Zschoche über eine alleinerziehende Mutter, die ein marodes Segelboot erbt und sich zunehmend obsessiv in dessen Restauration verrennt, wobei ihr der Rest ihres Lebens entgleitet, eine durchaus ambivalente Emanzipationsgeschichte.

Bild: André Simonow

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Dass Ei des Prometheus

Prometheus. Ein Projekt von Bastian Reiber, Schaubühne am Lehniner Platz (Studio), Berlin (Regie: Bastian Reiber)

Von Sascha Krieger

Eigentlich fühlt es sich fast an, als beschlösse die Schaubühne ihre Spielzeit mit einer weiteren Herbert-Fritsch-Premiere. Faktisch stimmt das natürlich nicht – der Name Fritsch ist unter den an der Inszenierung Beteiligten nirgendwo zu finden. Und ist doch nie weit, schließlich ist es nicht nur mit Bastian Reiber ein langjähriges Mitglied von Fritschs Kerntruppe, das hier sein Berliner Regiedebüt vorlegt, auch seine Mitspieler*innen Florian Anderer, Carol Schuler und Axel Wandtke gehören zum Stammpersonal des Österreichers. Und Reiber tut wenig, um die Gedanken an Fritsch zu zerstreuen. Das beginnt schon in der ersten Szene. Da steht Carol Schuler am Bühnenrand und deklamiert Aischylos. Sie atmet an, doch der Chor bleibt zunächst auf sie beschränkt. Als Reiber dann hinzutritt, wird es auch nicht besser: Er verpasst jeden Einsatz und scheint dem Text bislang auch nur im Vorübergehen begegnet zu sein. Da verpufft sich das weltbewegende Pathos schnell in komödiantischer Dekonstruktion. Der Prometheus-Mythos was schon in der Antike ein selbst für die Tragödie ungewöhnlicher, weitete er doch den Topos von der Unentrinnbarkeit des menschlichen Schicksals und die Ambivalenz von Schuld weit über die Menschenwelt hinaus aus. Beginnend mit der Renaissance wurde aus ihm dann zunehmend eine Art alternativer Schöpfungsmythos,, der Feuerbringer zum Ausgangspunkt eines vernunftbegabten, autonomen Menschengeschlechts. Das paradoxerweise in fast allen Reiterationen nicht als handelnder Agent auftaucht, sondern so passiv und gesteuert bleibt wie die Objekte jener anderen Schöpfungsgeschichte.

Bild: Thomas Aurin

Theater Theater Theater

René Pollesch: Probleme Probleme Probleme, Deutsches Schauspielhaus, Hamburg (Regie: René Pollesch)

Von Sascha Krieger

Wer hier doppelt sieht, sollte sich nicht zu sehr wundern. Wer René Polleschs neuen Hamburger Abend besucht, bekommt es nicht nur mir dreifachen Problemen, sondern auch mit einer zweifachen Bühne zu tun. Eine Wand in Holzoptik enthält gleich zwei Bühnenportal (Bühne: Barbara Steiner), durch die insgesamt fünf Spielerinnen treten, die gerade eine Doppelvorstellung hinter sich haben. Gleichzeitig? Auf verschiedenen Bühnen, aber am gleichen Ort? Existenzielle Verunsicherung schleicht immer um Polleschs Diskursgewitter herum, nistet sich ein, verschiebt Denkachsen und Schwerpunkte. Hier ist sie der Ausgangspunkt. Sofort erstarrt der Diskurs in Wiederholungsschleifen, lässt sich so etwas wie Realität nicht mehr feststellen. wenn es hier eine Doppelvorstellung gab, zur gleichen Zeit, am gleichen Ort, wie ist das möglich? Und überhaupt, was wurde eigentlich gespielt? Das Käthchen von Heilbronn oder Ein Sommernachtstraum? Die Hemdchen, die sie tragen, geben keine Antwort. Und doch spricht zunächst viel  für ersteres, bevor der Blick hinter die Portale, auf einen zugewachsenen Märchenwald, eher in zweite Richtung deutet. Dann tritt am Ende Bettina Stucky auch noch als eine Mischung aus Robin Hood und Wilhelm Tell auf die Bühne, während Angelika Richter sich mit einer wieder auf Kleist hinweisenden Ritterrüstung über die Bretter quält. Nichts ist sicher, der „Knacks“ in der Wirklichkeit, derzeit Polleschs Schlüsselbegriff, ist in der Welt.

Bild: Sascha Krieger

„Forever Raupe“

Junges DT / Jugendclub 2 – Wölfe, Deutsches Theatewr (Box), Berlin (Leitung: Lasse Scheiba)

Von Sascha Krieger

Mit dem Ende der Autorentheatertage befindet sich die Spielzeit am Deutschen Theater eigentlich in ihrer Auslaufphase. Ein paar Vorstellungen werden noch gespielt, aber eigentlich denken alle schon an die Theaterferien – und die neue Spielzeit. Alle? Nein! Der Jugendclub 2 im Jungen DT hat noch etwas vor: Er will raus aus den eingefahrenen Bahnen, runter von den ausgetretenen Pfaden, er nimmt sich die Freiheit, das ruhige Auslaufenlassen der Theatersaison zu unterbrechen. Und genau darum geht es auch in Wölfe – nicht zufällig die letzte Premiere der DT-Spielzeit 2018/19. Denn darin geht es um zehn Jugendliche, die ausbrechen, die die Schnauze voll haben von den vorgezeichneten Lebensbahnen, von den Eltern, den Rollen- und Genderzuweisungen, den Erwartungen der Gesellschaft, vom Nichtbeachtet werden, von der binären Wahl zwischen Kind und Erwachsener. Also hauen sie ab – nicht spontan, sondern geplant. Nehmen sich Zelte mit und reichlich Proviant, verschwinden in die undurchdringlichen Wälder Brandenburgs – oder ist es schon Polen? – und versuchen einen Neuanfang, eine Gemeinschaftsbildung nach ihren Vorgaben. Das geht natürlich schief: Irgendwann sind die Vorräte plötzlich verschwunden, Gruppen bilden sich, Mitglieder*innen fallen ab, die unterschiedlichen Motivationen treten zunehmend unversöhnlich hervor, die Frage, ob eine radikale Neuerfindung menschlicher gemeinschaft möglich oder gar sinnvoll ist, stellt sich mit existenzieller Vehemenz.

Bild: Arno Declair

Der letzte Schritt

Ersan Mondtag: De Living, NTGent / Hebbel am Ufer (HAU2), Berlin (Regie: Ersan Mondtag)

Von Sascha Krieger

Wäre Samuel Beckett Küchenarchitekt gewesen, hätten seine Kreationen vielleicht nicht so ausgesehen, aber sie hätten sich so angefühlt. In Ersan Mondtags neuer Arbeit, entstanden an Milo Raus NTGent, ist die Küche eine Art Vorhölle, der letzte Warteraum vor der Auslöschung. Die Wände mit einer Tapete voller fröhlicher Blumen und singender Vögel, der Boden ein strenges Schachbrettmuster, der Rest der Ausstattung geprägt von der die eigene Nichtpräsenz anstrebenden Sachlichkeit schwedischer Möbelhäuser. Eine bleierne Schwere liegt in der Luft, wie bei Beckett ist unklar, ob es eine Welt da draußen noch gibt, das laute Vogelgezwitscher kommt von drinnen, aus dem Vogelkäfig in der Ecke – oder vom Band. Und wenn es sie gibt, wäre sie relevant? Nicht für die Frau, die zunächst am Küchentisch sitzt . Minutenlang ohne jede Regung, bevor sie, kaum merklich zunächst, zu zittern beginnt, langsam aufsteht, zu Boden sinkt, immer wieder für längere Zeit wie einfrierend, am Ende den Gasherd anschaltet und den Kopf hineinschiebt, bis ihre Arme schlaff herunterfallen. „Die Frau mit dem Kopf im Gasherd“ – auch Heiner Müller ist in dieser Küchenzeilen-Apokalypse nicht weit.

Bild: Birgit Hupfeld

Risse im Netz

Autorentheatertage 2019 – Die lange Nacht der Autorinnen am Deutschen Theater, Berlin

Von Sascha Krieger

Wer das Interview mit Steffi Kühnert, Schauspielerin, Regisseurin und in diesem Jahr Jurymitglied für die Lang Nacht der Autorinnen, traditionell Schlusspunkt der von Ulrich Khuons einst in Hannover gegründeten und mit ihm über Hamburg nach Berlin gewanderten Autorentheatertage, in der Berliner Zeitung gelesen hat, dem konnte Angst uns bange werden. Trotz aller Diplomatie war ihre Verdikt zur deutschsprachigen Gegenwartsdramatik eher niederschmetternd. „Auffällig für mich ist“, sagt sie da, „dass neue Stücke partout keine Dialoge mehr haben, dafür seitenlange Statements abgeben: Monologisieren.“ Keine ganz neue Erkenntnis, zugegeben, aber ein Statement, dass eine Eintönigkeit und Spielfeindlichkeit, eine Entdramatisierung behauptet, der häufige Zuschauer*innen und Leser*innen deutschsprachiger Theatertexte nicht leichtfertig widersprechen können. Zwischen Romanadaptionen und dialogfernen Textflächen scheint die deutschsprachige Dramatik in der Krise, ein Eindruck, den auch einschlägige Festivals von Mülheim bis Heidelberg nicht auszuräumen vermögen.

zu unseren füßen, das gold, aus dem boden verschwunden (Bild: Arno Declair)

Das „Just-right-Gefühl“

Rimini Protokoll (Helgard Haug): Chinchilla Arschloch, waswas, Künstlerhaus Mousonturm / Schauspiel Frankfurt / HAU Hebbel am Ufer (HAU2), Berlin (Regie: Rimini Protokoll/Helgard Haug)

Von Sascha Krieger

Dass das Theater seit jeher ein Ort der Kontrolle, der einstudierten Wiederholung, der puren Absicht ist, fiel nicht erst in jüngerer Zeit so manchem (Post)Dramatiker auf. Auch, dass es darauf basiert, dass jeden Abend exakt das Gleiche passiert – und sich dies immer in einem Spannungsfeld mit der Unmöglichkeit dieses Ansinnens befindet, weil Theater es eben auch bedingt, sich in jeder Vorstellung neu zu erschaffen und präzise, vollständige, deckungsgleiche Wiederholung dem Menschen eben nicht gegeben ist. Versuche, dies zu hinterfragen, zu thematisieren oder auszunutzen, gab es so manche. Ein Großteil der Postdramatik – etwa die Arbeiten Nicolas Stemanns – basiert darauf, auch theatermacher wie Frank Castorf spielen immer wieder mit der Durchbrechung des Planbaren, Kay Voges etwa zielt in Arbeiten wie seiner Borderline-Prozession darauf ab, einmalige Theaterabende zu schaffen, die auf gemeinsamer Basis jedes Mal anders und neu sind. Rimini Protokoll’s Helgard Haug, seit jeher interessiert am Spannungsverhältnis zwischen Theater und Realität, stellt sich nun die Frage, was mit dem Theater passiert, wenn es einer absichtslosigkeit ausgesetzt ist, die eben nicht konzeptionell aufgestellt ist und tatsächlichen Kontrollverlust – der bei Stemann, Castorf oder Voges nie vollständig und mehr behauptet als wirklich ist, kontrollierter Zufall eben.

Bild: Robert Schittko

„Studieren oder frittieren“

Autorentheatertage 2019 – Nora Abdel-Maksoud: Café Populaire, Theater am Neumarkt, Zürich (Regie: Nora Abdel-Maksoud)

Von Sascha Krieger

Besucher*innen des Berliner Maxim Gorki Theaters kennen Nora Abdel-Maksoud spätestens seit The Making-of als ebenso scharfzüngige wie unbarmherzige Entlarverin (post)moderner bürgerlicher Pseudo-Aufgeklärtheit und der Durchlässigkeit zwischen vermeintlich linker Toleranz und real rechtem Populismus. Dabei paart sie beste Unterhaltung mit schmerzenden Nadelstichen gegen ihr Publikum, heiter serviert, schonungslos ausgeführt. Das funktioniert nicht nur im politisch heißen Berlin, sondern auch im beschaulicheren Zürich, wie Café Populaire eindrucksvoll vorführt. Diesmal nimmt sich Abdel-Maksoud das Phänomen des Klassismus vor, der Abwertung vermeintlich „unterer“ Gesellschaftsschichten durch die, die sich für gebildet, zivilisiert und tolerant halten. Und natürlich der Meinung sind, Klassismus gäbe es zumindest bei ihnen überhaupt gar nicht. In kitschiges Rosa getaucht ist die Bühne, ein rechteckiger Kasten von so widerwärtiger Harmonieseligkeit, dass es gar nicht anders kann, als hier zu krachen. Das Rechteck ist YouTube-Screen und Varietébühne, ein Schlachtfeld der Deutungshoheiten, die schnell sehr viel düsterer werden als ihr bonbonfriedliches Umfeld.

Bild: Barbara Braun

Mein Freund, der Knacks

Autorentheatertage 2019 – René Pollesch: Ich weiß nicht, was ein Ort ist, ich kenne nur seinen Preis (Manzini Studien), Schauspielhaus Zürich (Regie: René Pollesch)

Von Sascha Krieger

Die Zeit ist aus den Fugen in dieser Arbeit von Vielschreiber und -inszenierer René Pollesch. Haben die drei in rustikal theatraler Kostümierung  gerade eine Sechsstundenversion von Shakespeares Ein Sommernachtstraum hinter sich oder sind sie gerade erst auf die Bühne gekommen? Sie können sich nicht erinnern und wenn sie es könnten, vermochten sie sich ohnehin nicht darüber einigen woran. Denn waren es eigentlich „nur“ sechs Stunden oder gar 48? Je länger dieser, so weit der Rezensent das beurteilen kann, nicht zweistündige Abend fortschreitet, desto länger wird der, von dem er erzählt. Oder eben auch nicht, denn er lässt sich ja nicht erinnern, wenn es ihn denn gab. Die Kontingenz, die Gleichzeitigkeit und Gültigkeit des Gegensätzlichen, scheint derzeit Polleschs Kernthema zu sein, zusammen mit dem, das ihn ohnehin seit Jahren umtreibt: der Liebe. Auch sie ist in seinem Universum immer zugleich zwingend und unmöglich. Schrödingers Liebe sozusagen.

Bild: Sascha Krieger

Eingebrannte Bilder

Nach dem Roman von José Saramago (Fassung von Kay Voges, Bastian Lomsché und Matthias Seier): Die Stadt der Blinden, Deutsches Schauspielhaus, Hamburg (Regie: Kay Voges)

Von Sascha Krieger

Um das Sehen geht es in den Arbeiten des Regisseurs Kay Voges eigentlich immer. Um unseren Blick auf und in die Welt, seine Beschränktheit, seine Beliebigkeit, seine Konditioniertheit, seine Unmöglichkeit. Was sehen wir, wenn wir in die Welt blicken und vor allem was nicht. Was sich unserem Blick darbietet und was sich verbirgt. Und die Entscheidungen, die wir treffen, wenn wir unseren Blick auf etwas richten, um den Preis, anderes zu ignorieren. Spätestens seit der schon längst legendären Borderline Prozession stellen Voges’ Inszenierungen immer wieder solche Fragen nach der Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit der Welt, des Lebens, des Menschlichen. Da ist es vielleicht wenig überraschend, dass der Dortmunder Noch-Intendant irgendwann bei José Saramagos Roman Die Stadt der Blinden landen würde, jenem Buch, in dem eine rätselhafte Epidemie Menschen reihenweise mit Blindheit schlägt, die Welt also buchstäblich schrittweise und zunehmend unsichtbar wird. Dabei ist das Sehen und Nicht-Sehen nicht zuletzt Anlass für eine Untersuchung, die Literat*innen, Philosoph*innen und Leser*innen seit Jahrhunderten umtreibt: Was passiert, wenn gesellschaftliche Verabredungen plötzlich an Bedeutung verlieren, sich die Menschen auf sich und die Notwendigkeit bloßen Überlebens zurückgeworfen sehen? Oder anders gefragt: Wie kommt das Böse in die Welt und wie dünn ist der Firnis der Zivilisation. Und vor allem: Was liegt darunter?

Bild: Marcel Urlaub